Yearly Archives: 2021

東利惠，日本頂尖建築師，以其細膩的設計理念為星野集團旗下高端酒店品牌虹夕諾雅（星のや）注入獨特靈魂。從兒時生活的「塔之家」汲取靈感，她在虹夕諾雅．輕井澤、虹夕諾雅．京都、虹夕諾雅．東京等代表作品中展現自然與建築的平衡之美。東利惠的設計不僅關注建築外觀，亦注重營造空間的情感體驗，將傳統文化與現代美學融入其作品中。透過與星野佳路的緊密合作，她為虹夕諾雅打造出兼具文化深度與建築價值的經典酒店，重新定義了旅遊住宿的未來藍圖。

CAFE!N「台北民權店」2021年7月3日正式開幕，位於中山北路及民權東西路交叉口、鄰近民權西路捷運站，不只位置便利，兩層樓的空間更邀來曾打造％ARABICA嵐山店的設計師林正斌操刀，純白通透的空間設計，加上大面積玻璃窗引進的自然採光，讓每個人都能放鬆坐進裡頭，悠然享受咖啡與城市風景。

高雄市立美術館（以下簡稱高美館）夏季大展《泛．南．島藝術祭》，因應國內COVID-19疫情影響，展期暫訂於2021年7月中旬至10月31日盛大登場，公佈參展名單，邀請臺灣、澳洲、紐西蘭、韓國、日本、巴基斯坦、法國共23組藝術家／團隊共同參與展出。 延續高美館長期經營南島當代藝術之成果，《泛．南．島藝術祭》由館長李玉玲擔任總策展人，札拉・斯坦霍普（Zara Stanhope，紐西蘭戈維特－布魯斯特美術館館長）與魯本．福連德（Reuben Friend，紐西蘭帕特迦藝術博物館館長）擔任國際策展顧問，與高美館策展團隊共同以島嶼作為關注基準點，擁抱海洋流動、去疆界的特質，歷時近三年紮實的研究踏查，推出既包含國際藝術語彙、又融貫在地文化脈絡的跨域展演，期以本展構築出高雄這座海洋城市的全新文化品牌。 15年的南島當代藝術航行，探索疫情時代的全新議題 過去，人類隨著湧動的洋流遠航，從南島語族的遷徙到大航海時代的冒險，造就了無數文化的相遇與碰撞；如今新的浪潮再度撲湧而來，特別是從2020年延燒至2021年的COVID-19疫情，更是大幅度地改變了人們過往的生活模式。高美館《泛．南．島藝術祭》，可說是當前這個疫情時代最深刻、對比的展覽之一，展覽命題「泛．南．島」之意涵分別為：「泛 Pan」意旨廣泛與跨越邊界的視野、「南方 Austro」代表多元與非中心收束的觀點，而「島嶼 Neisan」則訴說著海洋性的多邊連結。展覽主視覺則由角白設計負責人莊濟寰操刀規劃，引申「海洋」和「島嶼」的概念，並將「泛．南．島」英文簡稱「P．A．N」字首形態導入視覺識別系統，展現兼具策展意涵與美感識別的設計。 本展覽奠基於高美館長年研究南島當代藝術的策展檔案、典藏之豐富累積，展區分為〈從已知到未知〉、〈暗黑島嶼〉與〈生生流轉〉三項子題，邀請23組國內外藝術家／團隊帶來代表作品、新作或現地創作。本次除館內展間展示外，展覽場域更拓展至高美館最具特色的戶外園區，透過藝術實踐「水系植物生態復甦計畫」於內惟埤塘週邊環境裡構築持續生長的有機地景藝術。本次參展藝術家包括2022年威尼斯雙年展紐西蘭館代表Yuki Kihara、王虹凱、吳思嶔、吳燦政、杉本博司、宜德思．盧信、拉黑子．達立夫、東冬．侯溫、林介文、拉拉．魯克（Lala Rukh）、邱杰森＆莫珊嵐、簡．金．凱森（Jane Jin Kaisen）、約翰．普爾（John Pule）、娜辛娜．霍海亞（Ngahina Hohaia）、張致中、張恩滿、強納森．瓊斯（Jonathan Jones）、蒂摩爾古薪舞集、雷恩、雷斌、劉哲安、盧建銘、蘿拉．葛里諾（Lola Greeno）。 李玉玲館長表示，自2016年就任館長以來，這幾年以「南方」為核心，擴延為更大尺幅的多元史觀概念「大南方South Plus」，作為高美館在策展研究的新座標，嘗試鬆脫地理指涉的「南方」，迎向具當代性策展思維的「全球南方」，爬梳多元豐富的在地文化與藝術史，擾動美術館典藏的各樣可能，進而開啟國際性的對話思考。 同時，李館長帶著館內策展團隊逐步爬梳歷任館長對臺灣原民創作的典藏脈絡，特別是由前館長李俊賢於2006年開始推動的「南島當代藝術計畫」，15年來更加奠定臺灣、高美館在全球南方藝術史上的獨特地位。並且，2019年迄今透過多次的南島國際論壇、策展工作坊以及系列專題講座等歷程，爬梳南島藝術在臺灣和世界歷史中的文化脈絡，提出抽象地理邊界「泛．南．島」的想像，並以「藝術祭」為名，期待持續儲備能量、構築高雄這座城市獨有的文化品牌，擁抱有朝一日能周期性籌辦的期許。 《藝術認證》改版半年刊結合展覽專輯，策展評論、作品圖錄一次收藏 多次榮獲「國家出版獎」肯定的高美館《藝術認證》雜誌，今年起轉型為半年刊，首發之作便結合《泛．南．島藝術祭》的主題策畫，以「泛．南．島航行指南」為題，完整收錄11篇策展評論專文、彙整23組國內外藝術家的精彩作品圖錄，是一本以全文中英對照呈現文集形式的展覽專輯，預計配合展覽於7月中旬正式出版。 本期《藝術認證》分為策展論述、作品圖錄與藝術家專文三部份。第一部份，收錄總策展人李玉玲館長介紹本次策展理念，暢談如何從「大南方」架構延展至「泛．南．島」的思考，並邀請國際策展顧問札拉・斯坦霍普與魯本．福連德特別撰文：斯坦霍普對照《泛．南．島藝術祭》與其他雙年展、藝術季的策劃形式，指出其未來的發展可能；福連德則聚焦於海洋與島嶼概念的探究，並介紹太平洋藝術家如何以創作回應相關概念。第二部分則涵蓋參展23組藝術家與作品的詳盡介紹與精彩作品照，供讀者完整閱讀。第三部分則由高美館策展團隊透過爬梳參展藝術家創作概念，引介更廣闊的命題。 觀眾如同航行於洋面的小船，而藝術家的作品則如同浮現於海的島嶼，在《泛．南．島藝術祭》中，每一座島嶼都有自身的經歷與故事，彼此之間又互相連結，邀請大眾共同踏上航行當代藝術之海的探險旅程。本期《藝術認證》現正於博客來網路書店獨家預購中，預購限量加贈精美的前導概念本《PAN Zine》精裝三冊合輯收錄專文評論、藝術家訪談、演講專文（數量有限，贈完為止），詳洽博客來網站（https://bit.ly/ArtAccrediting96）。更多展覽訊息請至高美館官方網站（https://www.kmfa.gov.tw/）查詢。 《泛．南．島藝術祭》預告片 https://youtu.be/967JhEol3eY 《泛．南．島藝術祭》參展藝術家名單 Yuki Kihara／王虹凱Wang Hong-Kai／吳思嶔Wu Sih-Chin／吳燦政Wu Tsan-Cheng／杉本博司Hiroshi Sugimoto／宜德思．盧信Idas Losin／拉黑子．達立夫Rahic Talif／東冬．侯溫Dondon Hounwn／林介文Labay...

防疫也要藝術相伴度過一天！面對數位科技持續不斷的快速發展，富邦藝術基金會結合科技與藝術，繼2020年推出《富邦ART APP》，設計多款饒富趣味的藝術拍照圖框與個人化動態賀卡，近期全新改版上線，重新推出「藝文行事曆Art Calendar」．集結12位國內外藝術家作品置入每個月份，並設計每日推薦大師名言，跟著藝術家、哲學家、建築師、設計師、音樂家金句學習與自我提升，以呼應富邦60周年時間價值的精神。

設計靈感來源 福州茶館的設計靈感來源於約翰‧湯姆森（John Thomson）鏡頭裡的福州金山寺。英國著名攝影師約翰‧湯姆森是歷史上最早到訪中國旅行的攝影師之一，用影像向西方傳遞了東方的風景與文化。 在攝影集《福州與閩江》（Foochow and the River Min）裡，湯姆森記錄了1871年他沿閩江逆流而上的傳奇旅程，並用相機捕捉到了這座罕見的建於河流之中的古寺。古老的廟宇靜靜地棲息於河流中的浮石之上，這個畫面成為了福州永恆的記憶。 獨特的歷史傳承 如恩設計研究室用福州的歷史文化作為畫筆，將這座茶館描畫成了一件城市文物。茶館內的古代木構造是一棟清朝古宅，典型的徽派建築。其上充斥著豐富的裝飾木雕，複雜而精美。 將舊建築改造，如恩設計研究室以新建築做為外殼，包覆舊有的木構造，成為茶館的點睛之筆。近年來，城市的快速發展逐漸侵蝕著傳統文化與文化認同。 在此背景下，福州茶館的設計不失為一例獨特的歷史傳承。 茶館被設想為休憩於岩石之上的房屋，連綿山丘般的銅製屋頂高架於夯砼牆體之上，且與室內木結構的屋頂線相呼應。設計改採用的主要材料為夯砼，既表達了對當地傳統土樓民居的現代致敬，也強調了原始的凝重感。走近建築時，觀者可以看到茶館的兩幅圖像：建築物的直立輪廓，以及周圍水池中的倒影。 進入茶館，踱步於一樓的古建築中，觀者仿若遊走於明與暗，輕與沉，細與拙之間。光線從天井窗投射到內部結構深處，照亮了這座彌足珍貴的清代古宅。 覆銅桁架將金屬屋頂提高了半公尺的高度，又將自然光影從側面引入到了室內。走到夾層樓時，古建築原本的面貌才清晰地得以顯露。身處於此，觀者環繞在歷史之間，賞鑑精湛的木雕工藝。 △ 二樓夾層樓 △ （上圖）露天水池，（下圖）負一樓 茶館在地下一層設有接待大廳、下沉式庭院和品茶室。圓形接待廳的頂部為一樓室外的露天水池。陽光透過水池底部的圓形玻璃投射到地下的接待廳，光影浮動，令人著迷。 The basement level includes a secondary arrival lobby housing a rotunda, a sunken courtyard and tasting rooms....

義大利小鎮馬拉內羅（Maranello）上的卡瓦利諾餐廳(Ristorante Cavallino)因當初每天接待法拉利公司創始人恩佐‧法拉利（Enzo Ferrari）而聞名，這個地方的前身是一座農舍和馬廄，最初曾作為法拉利員工的食堂，隨後在1950年作為Cavallino餐廳向公眾開放。內部陳設簡單樸素，菜單專門提供讓艾米利亞羅馬涅成為聞名義大利美食中心的傳統佳餚。可謂是急速跑車與慢食運動的碰撞。

普利茲克建築獎得主伊東豐雄為「東京公廁計畫」設計了三個蘑菇狀的公共廁所，該作品位於東京澀谷區，以取代原有代代木八幡宮山腳下的公共廁所，伊東豐雄將其分解為三個圓柱體，配備的圓頂形屋頂使整體造型酷似蘑菇，有如生長在所處的森林基址中，伊東豐雄希望這件作品能給人以親近安詳之感，以鼓勵人們使用公共廁所。

日本代謝派（Metabolism）建築師黑川紀章的代表作——東京中銀膠囊塔，在多年來的保育與拆卸的爭持之下，2021年3月傳出確定被拆卸的消息，震驚國內外的建築愛好者。幸好日前傳出喜訊，一直致力保育膠囊塔的團體「中銀膠囊塔建築保存和再生計畫」發起眾籌，至今已募集到近280萬日圓，將買下多個膠囊，並與黑川紀章建築都市設計事務所合作翻新及遷移膠囊，部分捐贈予日本和外國的博物館，令膠囊遍地開花，又會推出膠囊住宿實驗，並出版專書《中銀膠囊塔記錄》，紀錄膠囊塔的前世今生。 1972年在這股前衛建築風潮之下誕生的「中銀膠囊塔」，歷年來吸引無數建築迷造訪，也有不少藝術工作者、建築師、設計師慕名入住，然而座落繁華熱鬧的東京銀座，城市不斷演進，這座建築卻未如建築師黑川紀章當年所設想，每 25 年將膠囊拆下更新，老化的建築問題層出不窮，拆除與保存聲浪不斷拉鋸。 2021年3月「中銀膠囊塔」管委會決議出售建築、確定拆除後，由住客發起的「中銀膠囊塔建築保存及再生計畫」與黑川紀章建築都市設計事務所合作，展開一場膠囊再利用的募資計畫，未來這些膠囊除了在博物館中展出，也與不同單位合作提供民眾住宿體驗，延續代謝派更新再利用的精神。 黑川紀章充滿未來感的「中銀膠囊塔」 雖然中銀膠囊塔即將拆除，然而這座建築對日本、甚至當代建築設計都有極深的影響，建築師黑川紀章是代謝派的領導者，1972 年設計的「中銀膠囊塔」由 140 個長方形的模矩預鑄單元體組成，以卡車可運送的最大單位設計單元尺寸（2.5 x 2.5 x 4 公尺），每個膠囊由 4 個螺栓支撐懸空，形成如同樂高堆疊般的特色外型，可謂當年空前創作。 膠囊的內部採用前蘇聯太空船的形式為設計概念，設計了內嵌電視、收音機、電話、書桌等，在周遭高樓尚未建起的年代，從那些具代表性的圓窗還可望見富士山。 在10平方公尺（約3坪）的狹小空間中，反應著當年來到都會區謀生的外來人口增加、現代生活模式轉變，在地狹人稠的東京，黑川紀章大改傳統家庭式建築，用極簡設計提供個人住宅、辦公使用需求，時至近日仍充滿前衛感。 2014年起就開展「中銀膠囊塔建築保存和再生計畫」的保存行動 然而原本預計每 25 年就要將膠囊拆卸更新，卻因更新成本過高，在落成 49 年來從未被實行。混凝土建築年久失修，結構不符合當前的建築抗震標準，內部亦有漏水、壁癌問題，加上 2008 年管線破裂以來便無熱水可使用，使得拆除爭議不斷。 為保存這座建築，熱愛這座建築的上班族前田達之，2014 年與居民們自發組成「中銀膠囊塔建築保存和再生計畫」（中銀カプセルタワービル保存・再生プロジェクト）。 為了讓大家更認識這裡，他們曾舉辦多場內部參觀、月租居住體驗等活動，並在 2015 年及 2020 年，分別出版採訪居民的《中銀カプセルタワービル...

Framework Studio，是一家室內設計和概念設計工作室，總部位於荷蘭的阿姆斯特丹，堅持通過傾聽和探索其內在的環境，從內到外的把握每一個新機會。Framework Studio的作品沒有特定的樣式，風格由時代精神，各種形式的靈感，尋找新的方式來表達既定的設計理念。 N° 610住宅室內設計 「當你為自己做設計時, 你的第一個決定是由情感驅動的, 我們看到這個地方五分鐘就愛上了它, 並決定為之買單。" ——Framework Studio N° 610位於荷蘭阿姆斯特丹，由Framework Studio於2020年完成，是一座簡約風格的複合式住宅。 淺灰色「人」字形地板與覆蓋牆壁的中性灰泥相匹配，營造出溫馨宜人的氛圍。在瀏覽住宅的整個過程中可以看到一些個性化的家具和雕塑，體現著個性和色彩的流行。 廚房搭建在白色樓梯的旁邊，灰白色大理石廚台與簡約風線條的櫥櫃相得益彰，置身其中時給人帶來不同的舒適感。 餐廳的設計凸顯出了整體的藝術氣息，定製的掛畫與雕塑、再加上特殊形狀的餐椅，打造出一個特別風格的用餐場所。 在每一層的樓梯連接處做到了空間的充分利用，實現了功能性、便利性和美觀性的統一。 臥室設計也遵循一貫簡約的風格，素白色配飾與簡約落地窗簾構建出清新典雅的意味。...

參與德國公共住宅「新法蘭克福計畫」的團隊成員大多很年輕，有建築師、專業技術人員、藝術家和設計師，這個計畫需要的不是明星建築師，而是能夠理性解決迫在眉睫問題的人。 最壞的年代，最好的改革契機 前有國家住居政策，後有社會對現代性的共識，建築和都市建設開展新局看似「水到渠成」，但有些國家面臨的挑戰格外艱鉅，例如德國。 第一次世界大戰結束後，戰敗的德國因負擔巨額賠款導致大量負債，又受到極為嚴厲的軍事和經濟制裁，工業出口受限，貨幣貶值，通貨膨脹嚴重。有文獻記載當時 10 億馬克才能買一片巧克力，20 億馬克買一顆糖果，一尊大砲換一個麵包，一匹馬換一粒蘋果，加上飛漲的租金，讓百姓生活完全陷入絕境。 剛剛推翻帝制、建立共和的德國，當務之急除了穩定政局之外，便是思考如何開拓內需市場，創造就業機會，並由公部門介入解決自由市場中奇貨可居、長年被資產階級把持的住屋問題，以安頓返鄉的戰士及歷經戰火摧殘的百姓。然而中央財政困難，地方政府若自囿於被動服務民眾的固有角色顯然不夠，必須像企業一樣主動出擊──最壞的年代，也很可能是最好的改革契機。 1924 年，德意志工藝聯盟在斯圖加特（Stuttgart）舉辦了一場以「形式」為主題的展覽，出版專輯《沒有裝飾的造型》（Die Form Ohne Ornament），底定了聯盟的中心思想。聯盟強調所謂「沒有裝飾」並非「去裝飾化」，而是在設計造型時須考慮到材質特性、產品功能、使用方法及生產模式。 同年，路德維希．蘭德曼（Ludwig Landmann，1868-1945）出任法蘭克福市長，他意識到要讓城市有所提升，讓勞工與資產階級融合，讓市民生活更有品質，德意志工藝聯盟思索的課題是必然的努力方向。 蘭德曼任命年僅 38 歲的都市規劃暨建築師恩斯特．梅出任營建局局長，負責全新的城市和建築規劃，啟動新法蘭克福公共住宅開發計畫，以公私合營模式大量興建住宅，積極改善積澱已久的住居品質問題，同時重塑城市面貌。 參與新法蘭克福計畫的團隊成員大多很年輕，有建築師、專業技術人員、藝術家和設計師，這個計畫需要的不是明星建築師或設計師，而是能夠理性解決迫在眉睫問題的人。這些年輕人看到眼前有很大的舞台，以及實踐理想的機會，也看見了責任。 他們知道新法蘭克福計畫的目標不是個人英雄主義式的單一地標性建築作品，而是要用理性、科學、專業的態度和設計解決住房和基礎建設不足的問題；改善居住品質之外，還要帶動經濟效能，創造就業機會，避免繁瑣形式造成無謂的耗費，提升勞動生產力，更新市容，發揮建築的最大社會價值。 諸此種種反映在營建技術和建築語彙上，不僅呼應了新時代對現代性的追求，奠定了建築的新風格，在試圖改變建築形式和功能的同時，一併改變了居民的生活方式。所以就影響層面而言，新法蘭克福公共住宅開發計畫實為一場社會改革運動，這是它跟同時期在德國其他城市推動的城市設計與規劃最大的不同之處。就貫徹現代性、實踐現代建築精神的努力與貢獻而言，也非其他城市所能取代。 從裡到外找回居住秩序 自 1925 年起，恩斯特．梅大力整頓原先缺乏規劃、發展失序的郊區，將美茵河沿岸和鐵路周邊劃定為工業區，與住宅區做出區隔，讓市民把生活和工作切割開來。 5 年之內，他率領團隊開發了 12,000 個住房單元，分布在 12 個新社區中，大部分位於綠化帶環繞的城郊，同時完善原本付之闕如的基礎建設，架設交通道路網。待人口遷出後，市中心改以經貿商業活動為主要機能，在調控下讓城市穩健成長。這樣的城市和住宅規劃有別於傳統，又帶有田園城市的影子。 恩斯特．梅曾赴倫敦留學，受教於英國建築師雷蒙．歐文（Raymond Unwin，1863-1940），而歐文規劃設計的萊奇沃斯（Letchworth Garden City）是將田園城市概念付諸實現的第一個新市鎮。梅藉由法蘭克福大量開發公共住宅的機會，修正了田園城市「多中心化」的弊病，保留其優點，將新社區放進都會的組織架構裡，不再獨立於都會之外。因此就建築和都市設計而言，法蘭克福可以說是結合古典現代主義和功能主義的重要案例。 ...